Los principios de animación forman la base de todo trabajo de movimiento.

Los 12 principios de la animación fueron introducidos por primera vez por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro The Illusion of Life: Disney Animation , que fue lanzado originalmente en 1981. En este libro, Johnston y Thomas examinan el trabajo de los principales animadores de Disney del 1930 y en adelante, y reducen su enfoque a 12 principios básicos de animación.

Estos principios forman la base de todo el trabajo de animación. Son relevantes para varios campos diferentes. El uso más obvio es para animar el diseño de un personaje , pero estas reglas también son una guía invaluable en el diseño web, por ejemplo, si desea introducir movimiento en su interfaz con alguna animación CSS .

En este artículo, analizaremos más de cerca cada principio de animación, con GIF útiles de Vincenzo Lodigiani , quien también realizó el video corto La ilusión de la vida.

Una vez que entienda estos 12 principios de animación, podrá llevar su trabajo de movimiento al siguiente nivel. Estos son los principios y lo que significan:

01. Calabaza y estiramiento.

El principio de squash y estiramiento es considerado el más importante de los 12 principios de la animación. Cuando se aplica, le da a tus personajes y objetos animados la ilusión de gravedad, peso, masa y flexibilidad. Piense en cómo puede reaccionar una pelota de goma que rebota cuando se la lanza al aire: la pelota se estira cuando se desplaza hacia arriba y hacia abajo y se aplasta cuando toca el suelo.

Cuando utilice squash y estiramiento, es importante mantener el volumen del objeto constante. Entonces, cuando estiras algo, necesitas adelgazar, y cuando aplastas algo, necesitas ampliarlo.

02. Anticipación.

La anticipación ayuda a preparar al espectador para lo que está por suceder. Cuando se aplica, tiene el efecto de hacer que la acción del objeto sea más realista.

Considere cómo podría verse si tuviera que saltar en el aire sin doblar las rodillas, o tal vez lanzar una pelota sin primero jalar el brazo hacia atrás. Parecería muy poco natural (¡puede que ni siquiera sea posible saltar sin doblar las rodillas!). De la misma manera, animar los movimientos sin una chispa de anticipación también hará que tu movimiento parezca incómodo, rancio y sin vida.

03. puesta en escena

La puesta en escena en animación es muy similar a la composición en una obra de arte. Lo que queremos decir con eso es que debes usar el movimiento para guiar el ojo del espectador y llamar la atención sobre lo que es importante dentro de la escena. Mantenga el enfoque en lo que es importante dentro de la escena y mantenga el movimiento de todo lo que no sea de importancia al mínimo.

04. Acción recta y pose para posar.

Hay dos formas de manejar la animación de dibujo: en línea recta y posar para posar. Cada uno tiene sus propios beneficios, y los dos enfoques se combinan a menudo. La acción directa implica dibujar cuadro por cuadro de principio a fin. Si está buscando movimientos realistas y fluidos, la acción directa es su mejor opción.

Con la técnica de plantear para posar, dibuja el cuadro inicial, el cuadro final y algunos cuadros clave intermedios. Luego vuelves y completas el resto. Esta técnica te da un poco más de control dentro de la escena y te permite aumentar el efecto dramático del movimiento.

05. Acción de seguimiento y superposición.

Cuando los objetos se detienen después de estar en movimiento, diferentes partes del objeto se detendrán a diferentes velocidades. Del mismo modo, no todo en un objeto se moverá a la misma velocidad. Esto forma la esencia del quinto de los principios de animación de Disney.

Si tu personaje corre a través de la escena, sus brazos y piernas pueden estar moviéndose a una velocidad diferente a la de su cabeza. Esta es una acción superpuesta. Del mismo modo, cuando dejan de correr, es probable que su cabello continúe moviéndose durante unos cuantos fotogramas antes de descansar, esto es un seguimiento. Estos son principios importantes que debes entender si quieres que tu animación fluya de manera realista.

06. Lento y lento

La mejor manera de entender la lentitud y la lentitud es pensar cómo arranca y se detiene un automóvil. Comenzará a moverse lentamente, antes de ganar impulso y acelerar. Lo contrario ocurrirá cuando el coche frene. En animación, este efecto se logra al agregar más fotogramas al principio y al final de una secuencia de acción. Aplica este principio para dar más vida a tus objetos.

07. Arco

Cuando se trabaja en animación, es mejor atenerse a las leyes de la física. La mayoría de los objetos siguen un arco o una ruta cuando se mueven, y sus animaciones deben reflejar ese arco. Por ejemplo, cuando lanzas una bola al aire, sigue un arco natural a medida que los efectos de la gravedad de la Tierra actúan sobre ella.

08. Acción secundaria.

Las acciones secundarias se utilizan para respaldar o enfatizar la acción principal que ocurre dentro de una escena. Agregar acciones secundarias ayuda a agregar más dimensión a tus personajes y objetos.

Por ejemplo, el movimiento sutil del cabello de tu personaje mientras camina, o quizás una expresión facial o un objeto secundario que reacciona ante el primero. Cualquiera que sea el caso, esta acción secundaria no debe distraer de la primaria.

09. tiempo

Para este principio de animación, debemos observar las leyes de la física nuevamente y aplicar lo que vemos en el mundo natural a nuestras animaciones. En este caso, el enfoque está en el tiempo.

Si mueves un objeto más rápido o más lento de lo que naturalmente se movería en el mundo real, el efecto no será creíble. Usar la sincronización correcta le permite controlar el estado de ánimo y la reacción de sus personajes y objetos. Eso no quiere decir que no pueda empujar las cosas un poco (especialmente si está creando un mundo imaginario), pero si lo hace, sea consistente.

10. Exageración

Demasiado realismo puede arruinar una animación, haciendo que parezca estática y aburrida. En su lugar, agrega algo de exageración a tus personajes y objetos para hacerlos más dinámicos. Encuentra formas de superar los límites más allá de lo que sea posible, y tus animaciones aparecerán.

11. dibujo sólido

Necesitas entender los conceptos básicos del dibujo. Esto incluye saber dibujaren el espacio tridimensional y comprender la forma y la anatomía, el peso y el volumen, y las luces y las sombras.

Si bien también puede presionar los límites aquí, es importante que permanezca constante. Si su mundo tiene puertas torcidas y una perspectiva distorsionada, mantenga esa perspectiva a lo largo de toda la animación. De lo contrario, las cosas se derrumbarán.

12. Apelación

Tus personajes, objetos y el mundo en el que viven necesitan atraer al espectador. Esto incluye tener un diseño fácil de leer, un dibujo sólido y una personalidad. No hay una fórmula para hacerlo bien, pero comienza con un fuerte desarrollo del personaje y poder contar su historia a través del arte de la animación.