Los principios de animación forman la base de todo trabajo de movimiento.
Los 12 principios de la animación fueron introducidos por primera vez por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro The Illusion of Life: Disney Animation , que fue lanzado originalmente en 1981. En este libro, Johnston y Thomas examinan el trabajo de los principales animadores de Disney del 1930 y en adelante, y reducen su enfoque a 12 principios básicos de animación.
Estos principios forman la base de todo el trabajo de animación. Son relevantes para varios campos diferentes. El uso más obvio es para animar el diseño de un personaje , pero estas reglas también son una guía invaluable en el diseño web, por ejemplo, si desea introducir movimiento en su interfaz con alguna animación CSS .
En este artículo, analizaremos más de cerca cada principio de animación, con GIF útiles de Vincenzo Lodigiani , quien también realizó el video corto La ilusión de la vida.
Observa los principios y técnicas de la animación con ejemplos
Una vez que entienda estos 12 principios de animación, podrá llevar su trabajo de movimiento al siguiente nivel. Estos son los principios y lo que significan:
1. Aplastar y estirar
La perfección de la animación de Disney está incompleta sin el principio de aplastar y estirar . Esta técnica fundamental implica estirar y comprimir la forma de un personaje para crear la ilusión de peso y volumen, creando así movimientos realistas y creíbles.
Supongamos que un personaje lanza una pelota; se estiraría cuando se lanzara y se aplastaría cuando golpeara el suelo, haciéndolo más realista.
2. Anticipación
La anticipación cautiva al espectador por una acción que está por suceder, implicando una breve pausa antes del acto. Recuerde, en la famosa película de Disney » El Rey León «, Simba hace una pausa antes de saltar a través de un abismo. Este momento de vacilación mantiene la respiración de los espectadores y genera anticipación para la acción venidera. La anticipación es una técnica poderosa para captar la atención de los espectadores durante un momento o momento determinado.
3. Puesta en escena
La puesta en escena implica la disposición de los objetos según los requisitos de la escena. Es crucial presentar una escena de manera que represente lo que está sucediendo. Los detalles de la puesta en escena son la composición, la iluminación y los ángulos de cámara.
4. Acción recta y pose a pose
La acción directa es un dibujo secuencial de fotogramas de animación, mientras que pose-to-pose implica la creación de fotogramas clave primero y luego completar los movimientos intermedios de los personajes. Ambas técnicas son pioneras y tienen pros y contras, y los animadores disfrutan trabajando en ambas.
5. Seguimiento y acción superpuesta
Tanto las acciones de seguimiento como las de superposición representan cómo las partes de un objeto se mueven independientemente una de otra. Durante el movimiento de carrera de un personaje, el cabello y la ropa continuarán incluso después de que se hayan detenido.
Este principio agrega verdadero realismo a la animación, como se muestra en el clip de Mulan (2020) arriba (Fuente: .infamous.ae).
6. Entrar y alejar lentamente
La aceleración y la desaceleración ilustran cómo un objeto acelera y desacelera. Las cosas de la vida real no comienzan ni terminan instantáneamente en el mundo práctico; la animación debe reflejar esto perfectamente. Este principio también es aplicable para crear una sensación de peso e impulso.
7. Arcos
Según los 12 principios de animación de Disney, los arcos se representan creando movimientos de personajes que siguen una curva en lugar de una línea recta. Esta idea es esencial para producir un movimiento fluido, realista y orgánico .
8. Acción secundaria
El principio de acción secundaria implica animar los movimientos auxiliares de un personaje para producir una animación más realista o WOW. Esta idea es crucial ya que le da profundidad y complejidad a la animación. Cuando otro elemento de la escena se mezcla con la acción primaria, se llama acción secundaria.
Según el principio de acción secundaria, un personaje debe mover su cuerpo además de su boca cuando habla para reflejar que todos los objetos están perfectamente alineados.
9. Momento
El elemento principal es la implicación del tiempo, ya que define el ritmo de la escena y cómo los personajes se mueven e interactúan con otros objetos.
¿Recuerdas la escena en la que Blancanieves baila con los animales a un ritmo determinado, diseñado para coincidir con el ritmo de la música, produciendo un flujo coreográfico perfecto, en la clásica película de Disney “ Blancanieves y los siete enanitos ”? ¡Representa perfectamente el tiempo!
10. Exageración
La exageración es una estrategia potente para enfatizar movimientos específicos de un personaje de modo que el observador los note con mucha claridad.
Podrías notar que el animador hace que los brazos y piernas de un personaje se muevan con más fuerza o agranda sus rasgos faciales para representar las intensas emociones del personaje cuando está enojado. La exageración contribuye a una impresión más dramática y podría aumentar el atractivo general de la animación.
11. Dibujo sólido
Los personajes y entornos pueden ser representaciones geométricas impecables utilizando el sólido principio de dibujo de Disney como base sólida. La anatomía, la forma, el peso y el equilibrio de los personajes animados son técnicas artísticas fundamentales que los animadores deben dominar si quieren convertirse en GURU de la animación . El dibujo sólido les permite diseñar obras maestras con apariencias realistas y una sensación humana real.
Aunque no es un personaje de Disney, mira el ejemplo anterior con Bugs Bunny . Como en este ejemplo, los rasgos físicos de los personajes de Disney , especialmente la forma de su cuerpo y la longitud de sus extremidades, contribuyen en gran medida a sus expresiones faciales, acciones humanas y actos emocionales.
12. Apelación de carácter
Crear personajes animados impecables exige un gran atractivo a través del diseño de personajes, matices de personalidad y movimientos realistas. Jugar con los movimientos de los personajes y utilizar expresiones faciales sutiles para transmitir emociones y personalidad es algo absoluto para un experto. Un animador experto incorpora una profunda resonancia emocional en el personaje, lo que genera una audiencia muy comprometida. En resumen, crear animaciones exige un equilibrio magistral entre diseño, movimiento y emoción.
¿Recuerdas a Elsa de la película «Frozen» , quien se vuelve reconocible al instante y crea una fuerte conexión emocional con los espectadores? (Gif proporcionado a través de PopSugar).
